Cost of Sojourn: Survival and actions revealed in unspecific sites

One of the fates of the artists and their works under the system called an exhibition is that the shining “moments” and “places” are finite. It would be considered lucky to be sent to the lonely museum storage when there’s no exhibition. Some never even have the chance to see their works in an exhibition during their lifetime and some may have a chance to re-discover later on in the future under the title of ‘undisclosed’ works. Some site-specific works are made along with the context of the place, becoming the landmark of a region. However, the context varies over time, depending on the change of the interests and the identities of the visitors and those who run the places. Like the destroyed Statue of Liberty from the films and video games, there is much room for different interpretation from what the original work meant.

Let’s narrow it down a little. The artist presents the work in different exhibiting conditions and the process of the form and context of the work are slightly modified compared to the original intention. Thus, contemporary art can become an art in the places where it will be exhibited; from traditional white cubes to black boxes, a building about to be demolished, and exposed outdoor environments. Kim sometimes leaves the safe place -the gallery- and makes installations at somewhat harsh exhibition environments, such as unmanaged public baths, inn, the operating bus terminal and abandoned houses. During the process, she connects the gap between the exhibition and vacant time with her self-sufficient efforts to “survive” as an artist and accepting it promptly.

To become a certain “something” needs much effort. For an artwork to exist, the making and completing process is important. Moreover, the planning and direction of the work for deciding ‘when and where to exhibit’ is proceeded among many relations. The works that float around diverse new environment goes through the ‘adapting’ process - the installation process. Especially, Kim’s works are mainly about installation and performing. It means that the artist is ‘reproducing’ the artwork each time. It seems ‘nomadic’, which is discussed in contemporary art when it comes to 1) staying for a while, 2) unable to settle, and 3) relocate. Her adaptation process, however, is based on a passive attitude based on the “Cannot Settle” instead of repeating 1) to 3). It leads the artist to get ready for action at any time. In the artist’s note, she premises the lethargy of ‘impossible to settle from the beginning’ and calls the action forcibly moving around as “wander”.

<학습된 청구> (2015) ⓒ김진아 작가

이러한 관점에 집중한 첫 실험은 2015년에 <학습된 청구>라는 제목으로 진행한 퍼포먼스와 설치오브제에서 드러난다. 그녀는 석사과정을 마무리하기 위해 청구전을 진행해야하고, 교내의 작업실을 비워야 하는 상황을 시스템에 의한 타의로 받아들였다. 퍼포먼스 기록 영상에서 볼 수 있듯, 그녀는 본인이 학습하고 경험해 온 틀-상자 안에서 나와 자신의 창작물과 도구들을 전시기간 내내 전시장에서 포장하며 그 과정을 전시했다. 작품들은 작업실에서 전시장으로, 그리고 어딘가 불특정한 장소들로 옮겨지기 위한 준비상태-포장된 상태에 놓인다. 작가는 이를 그대로 전시장에 놓음으로써, ‘정착하지 못함’이라는 상황과 그로 인한 무기력을 함께 드러냈다. 

<방랑자의 농장>(2019) ⓒ김진아 작가

이 실험은 2019년 쓰시마 아트센터에서 진행한 그녀의 3번째 개인전의 주요 작품, <방랑자의 농장>에서 볼 수 있다. 이는 그녀의 2번째 개인전 《Ground, up, ready》에서도 선보였다. 수경재배시스템에 요구되는 최소한의 조건들을 기반으로 전시 기간 중에 식물을 키울 수 있는 모듈형 설치작품이다. 이 작품에 집중해야할 요소는 ‘최소한의 조건’과 ‘모듈성’이다. ‘이 작품이 불특정한 장소에 놓인다’(향후 전시될 가능성이 있는 공간들)는 것은 이미 작품을 구상하는 단계부터 고려된 사항들이다. 그녀의 농장은 최소한의 환경이다. 작품으로써의 식물에게 발아할 수 있는 최소 조건-물, 붉은 빛-은 펌프와 LED조명을 활용해 제공된다. 그리고 <방랑자의 농장>은 물리적인 공간에 맞춰 구성이 변형될 수 있도록 파이프 유닛으로 이루어져있다. 전시에서 그녀는 짧은 시간동안 허락된 장소에서 자신의 작품을 펼쳐낸다. 또다시 이동해야 하는 무기력한 상황은 한시적인 자신만의 생태계를 구축하고 이를 다시 분해하는 작가의 ‘행동’으로 연결되고, 이는 ‘생존’에 대한 의미를 질문한다.

Ground, up, ready (2019)